¿Qué es el Arte Conceptual?
El arte conceptual nace en los 60′ como una forma artística totalmente novedosa: busca dar mayor importancia a la idea, que al objeto artístico. Esto rompe por completo con toda la tradición artística anterior. La obra de arte era una idea, un concepto que se transmitía al plano físico. De esta manera, la ejecución terminaría siendo algo secundario.
Este planteamiento hace de las obras de arte conceptual algo democrático, pues todo el mundo podía entender una idea. Unido al movimiento hippie, también se planteó como una crítica al capitalismo: al ser la obra de arte una idea, esta no se podía comprar ni comercializar. De hecho, las primeras obras de arte conceptual eran meros objetos apenas intervenidos. Así se pasaba de un plano material, con todas las limitaciones que conllevaba, a un mucho más libre plano de las ideas. Posterior al arte conceptual, surgiría la performance como forma corporal de expresar dichas ideas. En esta guía gratuita, te dejamos información para que sepas cómo apreciar la calidad de estos artistas.
Artistas Conceptuales en la actualidad
La mayoría del arte contemporáneo en la actualidad, es heredero del arte conceptual. Esto se debe a su gran versatilidad: permite crear obras de arte completamente nuevas. Al ser una creación de la mente del artista, serán distintas entre sí. Por eso, las obras de arte conceptual son tan diferentes, ya que cada uno tiene su propia interpretación sobre ellas.
Un ejemplo son las Painting with a Hammer, de la artista Yoko Ono. Como cuadro de arte conceptual, rompe el privilegio del artista al crear la obra, generando comunidad entre los espectadores. Lo interesante, es que exploraría otros formatos. Un ejemplo, es una cruz que presentó en el MALBA. Con un ritual para poder clavar un clavo, hacía sentir a los espectadores formar parte de algo mayor.
Sin embargo, hemos de pensar en obras que asentaron este movimiento. Entre ellas destaca la Mierda de artista. Esta obra de arte conceptual consistía en una serie de latas con sus propias heces. Su enfoque era de plena crítica al sistema: ya no importaba la calidad, tan solo el nombre ¿Qué les impedía comprar «mierda de artista»? Su actuación fue tan sonada y valiente, que le ha valido estar en varios museos a lo largo del mundo.
Otro de los artistas más llamativos dentro del movimiento, fue Joseph Beuys. Una de sus obras más conocidas, Cómo explicar arte a una liebre muerta, fue una representación perfecta de en qué consistía su trabajo. Con una liebre muerta acurrucada como un bebé, Beuys le iba susurrando la explicación de los cuadros expuestos en un espacio. De esta manera, quería expresar cómo los animales (incluso los muertos) tenían mayor facilidad a la hora de entender el arte que «los humanos y su estúpida racionalidad».
Irene Pérez
La obra de Irene se caracteriza por la gran expresividad que dan sus pinceladas marcadas. Sus retratos son obras psicológicas que van más allá de su aspecto físico. Se centra en hacer visible la presión de una conciencia intranquila. Para eso, hace cambios en la anatomía del retratado, alterando su realidad para llamar la atención hacia el mundo interior del espectador.
Rómulo Celdrán
Las obras de Rómulo se basan en el hiperrealismo de gran formato. De esta manera, redimensiona objetos de la vida real (capuchas de bolígrafo, trozos de lápiz) a un tamaño que jamás podrían tener. Así consigue engañar al ojo y jugar directamente con el espectador.
Iñaki Domingo
Iñaki trabaja la multiplicidad de la imagen en cuanto a lo bombardeados que estamos de ellas día a día. Esto le hace plantear su eficacia real, porque el significado que pueda tener, se diluye entre tanta información. Los dispositivos con pantalla han ayudado a este planteamiento al pensar qué es realmente una imagen y cuál es su función. De la misma forma que en otras épocas, la imagen ha tenido que enfrentarse a estos desafíos, planteando una evolución propia.
Luis Canseco
Luis trabaja con el dibujo expandido, es decir, cómo el dibujo se percibe más allá del papel. La base de su obra es la experimentación, sirviéndole para construir ideas en torno a su propio universo. El uso de blanco y negro, responde a un deseo de transparencia para poner la composición al desnudo, resaltando la relación de sus elementos con el soporte como pieza clave.
Características de cuadros de Arte Conceptual
El arte conceptual es un estilo moderno y contemporáneo y se caracteriza por dar más importancia a la idea y el concepto detrás de esa obra. Esta forma de expresión artística intenta evitar el estímulo óptico a favor de los procesos intelectuales que el espectador es invitado a compartir con el artista. Reconocemos una obra de arte conceptual porque predominan los ambientes cromáticos, luminosos, y en las variaciones sobre la naturaleza. Existen varios tipos de arte conceptual: happening, land art, body art, y arte povera.
Al estar tan centrado en expresar ideas y propósitos, las obras de arte conceptual se caracterizan por utilizar diferentes elementos como soporte, incluyendo objetos utilizados en el día a día. Al ser un estilo de vanguardia, exploró un camino que posibilitó a otros artistas crear de manera diferente a la acostumbrada. También la ironía es una característica del arte conceptual. Al haber nacido en un entorno de libertad, la utilizaba mucho para criticar al sistema del mercado del arte.
Al ser el pensamiento conceptual algo tan extenso, contar con la ayuda de alguien que pueda explicarnos a la perfección qué vemos, es esencial. Por eso hemos preparado este banner: para ayudarte en tu proceso de crear una colección. Además, te dejamos esta guía gratuita para que des los primeros pasos a la hora de comprar arte.
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