La artista Mar Ramón utiliza materiales comunes y cotidianos a los que les da un nuevo significado convirtiéndolos en obras de arte. Trabaja con técnicas que tienen mucho que ver con la artesanía (la cerámica o el textil, por ejemplo), reivindicándolas así como disciplinas artísticas y no solo artesanales. Mar trata temas como la intimidad, la protección, el hogar como refugio y a la vez como cárcel o los roles de género. Hemos charlado con ella sobre cómo combinar arte y artesanía en su producción artística, de su rutina de trabajo o sobre los temas que explora en su obra.
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Hola Mar, ¿siempre quisiste ser artista, hacer arte?
La verdad es que no, siempre he sido una persona creativa pero en un principio mi idea era estudiar arquitectura. En algún momento cursando bachiller fui consciente de que existía también la posibilidad de dedicarme al arte directamente sin tener que intentar canalizar esta creatividad en algo más funcional.
¿Cómo es tu rutina diaria de trabajo y de creación?
Trabajo mucho en el taller, la cerámica es un material muy importante dentro de mi práctica artística y lo que me gusta de verdad es el contacto con este elemento y el juego que existe dentro del proceso de creación. Me rodeo de objetos que me atraen por los significados implícitos que conllevan y creo diálogos entre ellos para generar nuevas significaciones. También leo mucho y soy bastante sensible a los estímulos visuales externos, intento ser consciente de la cotidianidad que al final es el espacio del que me aprovecho para generar piezas.
No existe una rutina determinada, por lo menos para mí, cada día tienes que hacer tareas distintas y complementar la investigación propia con otras obligaciones.
Utilizas gran cantidad de materiales en tu obra, ¿cómo eliges unos y no otros para cada proyecto?
Los materiales que suelo utilizar son objetos de uso doméstico, que me interesan por lo estéticos que son a pesar de pasar muchas veces desapercibidos al tenerlos tan cerca y día a día. También por cómo se complementan con el cuerpo, gracias a la ergonomía por la que son diseñados. Pero la ergonomía no funciona del todo bien, quedan resquicios, quedan huecos de adaptación. Me interesa esta relación del hombre con los objetos, esta relación recíproca que desemboca en un gestual humano determinado. El objeto se convierte en el sustento de ciertos hábitos y ciertas maneras de habitar el espacio, y define de alguna manera nuestros comportamientos rutinarios. Que igual que nos adaptamos a los espacios y aprendemos a transitarlos de forma útil, estos espacios están diseñados para adaptarse a nuestras necesidades en una suerte de correspondencia. Los objetos son los que me dan una idea inicia, un concepto a partir del cual intento que surja una pieza.
Me interesa mucho tu producción con la cerámica, porque es un material considerado más artesanal que artístico y me parece una forma de reivindicarlo como parte del Arte, en mayúsculas. ¿Es así?
La verdad es que intento huir de alguna forma de los materiales de la escultura canónica, como pueden ser la talla o el metal. Tanto la cerámica como los textiles que utilizo tienen mucho que ver con lo utilitario y la artesanía, es cierto. Hay una frase de “La invención de lo cotidiano” que define mi manera de trabajar y de escoger los materiales con los que trabajo: “aceptar como dignas de interés, análisis, registro, estas prácticas ordinarias consideradas insignificantes. Aprender a mirar estas maneras de hacer, fugitivas y modestas, que a menudo son el único lugar de inventividad posible del sujeto: invenciones precarias sin nada que las consolide, sin lengua que las articule, sin reconocimiento que las eleve; chapuzas sometidas a la pesadez de las limitaciones económicas, inscritas en la red de las determinaciones concretas.” Es esta materia prima accesible de la que me valgo para hacer obra.
Tus obras son de apariencia delicada pero tratan temas potentes y algunas veces bastante duros. ¿Qué significa para ti esa dualidad entre la forma y el concepto en tu trabajo?
Sobretodo en las piezas de cuerpos que no son ni masculinos ni femeninos, en los que se mezcla el género y que representados la mayoría de las veces por fragmentos, me interesaba crear una cercanía formal. Son esculturas blandas y sensuales que seducen al espectador a acercarse a ellas, son como una especie de peluches que quieres tocar pero que a la vez generan un rechazo, por la mezcolanza, por la hibridez o por los órganos sexuales explícitos representados en ellas. Me interesa esta supuesta inocencia que genera una pieza que es a simple vista muy estética, y que en una segunda lectura puede ir cargada de connotaciones.
¿Sobre qué temas te interesa investigar en tu trabajo artístico?
Ahora mismo sobretodo me interesa la relación del cuerpo con los objetos domésticos y las dialécticas que se generan en el ámbito cotidiano.
¿Crees que el arte debe tener siempre implicaciones políticas y sociales, cuestionar el mundo que le rodea?
Me parece que no es necesario que todo el arte sea crítico. Hay artistas que hablan de procesos más íntimos, o del propio proceso de creación, o del comportamiento del material con el que trabajan o de su propia existencia y es súper válido. A mí lo que me interesa es tratar lo macro desde lo micro, y lo general desde lo individual. Como dice la frase “lo personal es político” y tu obra va a llevar consigo toda la información que te da tu contexto.
Cuando creas, ¿piensas en la reacción que tendrá el espectador al contemplar tu obra? ¿Creas para ti o para los demás?
Creo para mí con la esperanza de que el espectador entienda lo que quiero mostrar, creo que utilizo códigos sociales y significados implícitos en materiales muy comunes que son descifrables para la persona que visita el museo. Pienso que si mi obra no llega a otras personas no tienen demasiado sentido mis horas en el taller. También son piezas con una estética cuidada, son fáciles de asimilar visualmente, aunque supongo que sí que pienso en un público futuro cuando estoy “estetizando” de alguna forma las ideas que quiero expresar.
Cuéntanos un poco más sobre las obras que presentas en Saisho.
Desmaquillarse consiste en una serie de grabados sobre pañuelos de papel que surgieron a partir de mi conocimiento del contouring, una técnica de make up en el que aparece prácticamente todo el rostro cubierto por pintura color piel. Estos pañuelos son un recuerdo del proceso de quitarse una máscara, para mostrarse realmente, sin capas que delimiten la percepción de los demás hacia uno mismo, y a la vez, las formas orgánicas que utilizo en mis trabajos escultóricos como representación del individuo, siguen presentes, aludiendo a lo corporal.
¿En qué estás trabajando ahora, qué proyectos tienes en mente?
Ahora mismo he acabado una serie de piezas cerámicas gracias a una Injuve, el proyecto se llama “Esa Mujer” y está formado por 4 piezas cerámicas en tonos rosados que hacen referencia a la idea de juego, a esta etapa inocente de nuestras vidas, con una clara referencia a la sexualidad o a la carnalidad y lo que conlleva en ciertos territorios.
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