Por lo general, tendemos a pensar que las obras de arte son simplemente objetos decorativos. Ahora bien, el arte también puede ser un gran aliado a la hora de invertir. Por eso, en este artículo te vamos a contar brevemente por qué es interesante invertir en arte y abordaremos con más profundidad sobre qué tipo de artistas se puede invertir. Si quieres saber más sobre invertir en arte, te recomiendo que leas Cómo realizar una INVERSIÓN EN ARTE CONTEMPORÁNEO creando una colección única.
Sabemos que para la adquisición de obras de arte de artistas consagrados hay que tener un alto poder adquisitivo y que sólo las personas con un alto poder adquisitivo pueden permitirse desembolsar grandes cantidades de dinero por estas piezas. Valga como ejemplo, la compra que realizó el conocido gestor de fondos estadounidense Kenneth Griffin, quien pagó $500 millones por dos obras: la pintura de 1955 de Willem Kooning “Interchange” y la pintura expresionista abstracta de 1948 de Jackson Pollock “Number 17A”.
Pero démosle la vuelta a este pensamiento preconcebido. ¿Qué pasaría si tu compras una obra de un artista que es poco conocido en el mercado y luego se revaloriza y lo puedes vender por esos 500 millones que pagó Kenneth Griffin? Pero… ¿esto qué significa?, significa que si compras el arte contemporáneo adecuado, puedes estar haciendo una inversión muy inteligente.
Nadie sabe mejor de estos temas que nuestro equipo de Advisory, expertos en arte, quienes han creado los siguientes consejos para que puedas saber en qué artistas puedes invertir. Y si lo que buscas principalmente es arte con finalidad estética no dudes en leer el siguiente artículo
Tabla de contenidos
Consejos para invertir en arte
La primera decisión que se debe tomar a la hora de invertir en arte es el presupuesto que queremos designar para realizar nuestra primera inversión. Te aconsejamos que empieces con una inversión que esté adecuada a tus ingresos y patrimonio y conforme vayas conociendo más el mercado del arte ir incrementando esa cantidad.
Si es tu primera inversión en arte te recomendamos invertir en pintura, porque es una disciplina que está más asentada, son piezas únicas y por tanto, un mayor número de coleccionistas.
A continuación, tendrás que preguntarte en qué estilo quieres invertir, esta es una decisión personal porque los gustos varían, ya que hay personas que tienen gustos más clásicos y pensarán en obras más figurativas y otras que cuenten con gustos más arriesgados y quieran estilos más pop, street e incluso abstractos.
Después, tienes que decidir de qué tamaño quieres la pieza artística, esta decisión dependerá del lugar en donde quieras colocar la obra.
Una vez definidos los dos puntos anteriores debes pensar en qué artistas invertir.
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Y… ¿En qué artistas debo invertir?
Llegados a este punto, comenzamos a hacernos esta pregunta ¿en qué artista invierto? Pues bién, a la hora de invertir en un artista tienes que tener en cuenta varios factores: su grado de desarrollo como artista, su profundidad discursiva, los múltiples temas personales que tiene cada artista como la edad, su nacionalidad, si habla idiomas, su personalidad, su huella digital entre otros factores que si me permites te los iremos contando en los siguientes párrafos, así que sigue leyendo para que no te pierdas detalle alguno.
Grado de desarrollo
Como hemos dicho en el párrafo anterior, uno de los factores, a la hora de invertir en un artista, es el grado de desarrollo que tiene el este, es decir, en qué momento de su carrera está, si es un artista emergente, si es un artista de media carrera, que ha expuesto en varios lugares de referencia y empieza a ser conocido en el circuito, o si es un artista consagrado. Cuanto más emergente sea el artista en principio más “barato” será adquirir sus piezas y por tanto más potencial de revalorización tendrá. Sin embargo, apostar por artistas emergentes también conlleva un mayor riesgo ya que no sabemos qué evolución llevará su carrera y qué hitos de circuito podrá completar.
Lo mejor, es diversificar tu cartera en artistas de todo tipo de desarrollo, ya que compensas riesgos y puedes ser de los primeros en apostar por la carrera de ciertos artistas.
Profundidad técnica y discursiva
Posteriormente, hay que conocer e informarse sobre la profundidad técnica y discursiva del artista que desea invertir. Y ¿qué son estas profundidades de las que hablamos?, la profundidad discursiva es lo que el artista quiere transmitir con sus obras, así pues, encontramos enunciados que expresan un sentimiento, pensamiento o deseo que son reconocibles, únicos o disruptivos.
Y la profundidad técnica es la corriente por la cual el artista se decide a investigar e innovar, es decir, los canales o vías de comunicación que utiliza cada artista para transmitir su punto de vista y su esencia en cada creación.
Por ejemplo, Pablo Picasso, uno de los artistas plásticos más grandes y famosos de la historia, cuya obra es multiforme y cambiante. Durante la etapa azul de Picasso, su discurso se ve marcado por una sensibilidad hacia los más débiles y por una profunda depresión, porque el artista estaba pasando por unos años difíciles para él y lo reflejaba en las piezas que creaba en esta época oscura en la que estaba inmerso. En su etapa rosada, su discurso cambia, deja de ser tan melancólico, abandonando el espíritu sombrío de los años anteriores, pero sus personajes siguen exaltando actitudes melancólicas e introspectivas y las imágenes ya no se centran en el tema en sí, sino que el tema se vuelve un simple vehículo para el desarrollo de la misma pintura. En cuanto a su profundidad técnica, podemos apreciar que Picasso investigó sobre la forma y el volumen siendo considerado como uno de los padres del cubismo.
Otro ejemplo es el artista plástico Andy Warhol, con su famoso Díptico de Marilyn, quien jugó un papel muy importante en la creación del Pop Art. Su profundidad discursiva se centraba en intentar interpretar la cultura comercial y popular como un tema artístico, extrapolando en sus creaciones su profundo conocimiento del mundo comercial y esta profunda identidad que transmitió a todas sus obras hace que actualmente veamos un cuadro suyo y digamos es un Warhol. Y ¿cómo consiguió transmitirnos esto?, ¿cuáles fueron las técnicas que utilizó?, pues bien, esto lo hizo a través de las imágenes que hacía a los dibujos animados y a los anuncios de televisión, los cuales pintaba con metódicas salpicaduras de pintura que emulaban el aspecto del expresionismo abstracto estadounidense. Además, Warhol fue retirando, paulatinamente, de sus creaciones todas las referencias que tenían sus imágenes hasta que las convertía en una representación icónica de una marca comercial, una celebridad o del signo del dólar. De esta forma suprimía cualquier huella del artista en sus creaciones.
Un último ejemplo sobre la profundidad discursiva es el artista minimalista Edgar Solorzano, por poner un ejemplo más actual. Este artista explora las asociaciones emocionales que tenemos con los espacios y los objetos a través de la memoria que contienen. Además, le interesa saber lo que pensamos de nuestra relación con el espacio y la materia a través de la memoria, esta preocupación le viene dada de su formación como arquitecto, lo que le lleva a innovar en el concepto, porque une la técnica de la reinterpretación de la fotografía en la pintura otorgando su esencia a su discurso.
Factores personales
Volviendo a los factores, otro a tener en cuenta son los diferentes temas personales.
Edad
La edad es uno de ellos, porque no es lo mismo un artista joven con potencial y perspectivas de futuro que uno más entrado en edad. El joven tiene más posibilidades de recorrido en su trayectoria profesional y conceptual y puede estar presente en más ferias. Además, tiene más posibilidades de desarrollar más líneas diferentes, tiene más tiempo de investigar, de desarrollar conceptos….En cambio, un artista consolidado, con una carrera ya establecida y una profundidad discursiva ya desarrollada no ofrece esas mismas posibilidades.
Con esto no queremos decir que uno sea mejor que el otro, sino que hay que tener en cuenta todos estos factores y las posibilidades que nos ofrece cada uno de ellos.
Nacionalidad
No es lo mismo nacer en EEUU que es donde se celebran las principales ferias del mundo, donde están las principales galerías del mundo, con gran facilidad de acceder a las nuevas tecnologías (internet entre ellas). Que nacer en un país africano, donde es mucho más difícil desarrollar una carrera artística, tanto por niveles económicos como artísticos, porque no cuenta con las facilidades para dedicarse al mercado del arte (como el acceso al mercado internacional del arte).
Está claro, que nacer en un país occidental y desarrollado te da muchos más medios para poder vivir del arte y darlo a conocer al mercado.
Otros temas personales
Hay otros temas personales que hay que tener en cuenta, como la orientación sexual, la situación económica-política del país que pueden afectar al posible desarrollo de un artista… Por ejemplo, hay países con una situación social, económica y política muy inestable que no permite el desarrollo artístico y menos poder vivir de él, como por ejemplo Venezuela, Malawi, La república democrática del Congo… Esto provoca que el artista busque mejores oportunidades en otros países (o directamente que no pueda desarrollar su vena creativa) y se convierta en una persona refugiada, porque ha sido víctima de terrorismo o de persecución sexual, como sucede en los países Árabes.
Aptitudes, actitudes y huella digital
Por último, otros factores que hay que tener en cuenta son las aptitudes y actitudes de los artistas, al igual que su huella digital.
En cuanto a la actitud, que viene relacionada con la personalidad del artista, tenemos que conectar con el carácter de este, saber si tiene carácter propio y genuino, si es carismático, proactivo, entre otros.
Con respecto a su aptitud, tenemos que saber si habla idiomas, lo que facilita la internacionalización del artista porque tiene la capacidad de hacer entrevistas en varios idiomas, hablar y explicar su trabajo a coleccionistas…
También hay que saber si cuenta con un equipo que esté detrás de él para ayudarle en todo momento, si tiene un agente que le represente o un community manager que le ayude a explotar todo su potencial.
En lo referente a la huella digital, viene de la mano con ambos conceptos mencionados anteriormente, porque hay que ver si es proactivo con su marca personal, es decir, si cuenta con una página web potente donde se pueda observar su obra, si aparece en medios digitales o si es activo en las redes sociales: si su comunidad le apoya o si las usa para darse a conocer.
Un claro ejemplo de estas características es Guto Ajayu, un artista boliviano que sabe manejar su huella digital, porque es muy activo en este medio y si no le encontramos haciendo una entrevista, le encontramos narrando, en sus redes sociales, los diferentes acontecimientos que atraviesa su vida y en varios idiomas.
Artistas en los que invertir
Artistas Clásicos en los que invertir
A continuación te ofrecemos una lista de artistas clásicos, además de Picasso, en los que invertir:
Salvador Dalí (España, 1904 – 1989)
Fue un artista catalán extremadamente imaginativo, que se desenvolvió como pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor. Es conocido por sus impresionantes y creativas imágenes surrealistas. Sus recursos plásticos abordaron el cine, la escultura y la fotografía. Además, debido a sus habilidades pictóricas, a menudo, se le atribuye su influencia y admiración por el arte renacentista. Tuvo la capacidad de depurar un estilo auténticamente personal y palpable al primer contacto, que en realidad era muy ecléctico porque se alimentaba de innovaciones ajenas.
Georges Braque (Francia 1882 – 1963)
Fue un pintor y escultor francés y uno de los mayores exponentes del cubismo, junto a Picasso, porque ambos investigaron sobre esta técnica. A principios de su carrera artística tuvo un estilo fauvista y posteriormente cubista. Existen dos fases en el cubismo de este artista. En la primera fase pintaba cuadros de superficies superpuestas y planos angulares, compuesto por cubos, y utilizaba pocos tonos cromáticos. Después pasó por una época de “cubismo analítico” donde realizaba obras estructuradas por complejas formas geométricas y pintadas con colores neutros. Más adelante, cultivó el cubismo sintético, es decir, con una unidad compositiva y fue la tendencia que más impulsó. Tras la Primera Guerra Mundial, desarrolla un estilo propio, con forma unida al color. En sus piezas representa figuras de gran tamaño, paisajes y, sobre todo, bodegones de estructura similar. Entre 1914 – 1918, el artista deja atrás los trazos angulosos y las líneas fuertemente geométricas de su etapa anterior y se inclina por la línea curva con un nuevo repertorio de temas: los Guéridons (naturalezas muertas sobre una mesa redonda), entre otras.
Joan Miró (España, 1893 -1983)
Fue un pintor, escultor, grabador y ceramista español. El discurso que reflejó en sus obras es sobre su interés en el subconsciente, en lo “infantil” y en la cultura y tradiciones catalanas. Pese a que se le asocia con el arte abstracto por su estilo maduro de formas estilizadas e imaginarias, durante su juventud se inició en la figuración, con grandes influencias fauvistas, cubistas y expresionistas, convirtiéndose en una pintura plana con cierto aire naïf. Tras su estancia en París, su obra se vuelve más fantasiosa y onírica, incorporándose al surrealismo europeo. En múltiples entrevistas, el artista manifestó su deseo de dejar atrás los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de “matarlos, asesinarlos o violarlos”, con el fin de tener una forma de expresión más contemporánea.
Tsuguharu Foujita (Japón 1886 – 1968)
Fue un pintor japonés que se nacionalizó en Francia. Se le vincula con la Escuela de París, no obstante, desarrolló un estilo personal, donde aplicó las técnicas de pintura japonesa a temas y estilos occidentales. Absorbió las influencias del impresionismo y el simbolismo. Otorgó más valor a la línea que al volumen: contornos estilizados, sombras y relieves simplificados, y una paleta clara aplicada en capas finas.
Artistas contemporáneos en los que invertir
Como artistas del momento les proponemos, además de Edgar Solorzano, a:
Xavi García (España, 1974)
Artista plástico que es licenciado en Bellas Artes por la U.P. Valencia (2001). Influenciado por los estilos pop art y urbano, su trabajo tiene un resultado final moderno, pero su proceso es completamente clásico, usa óleo y acrílico en grandes cantidades para crear sus múltiples gamas de texturas mixtas, que es una de sus principales características. El artista ha obtenido un reconocimiento internacional porque le ha dado la misma importancia al mensaje como a la pintura. Sus piezas artísticas tienen como común denominador la calle, analiza la sociedad en la que vivimos mediante íconos actuales que contribuyen a nuestra cultura como Madonna, Amy Winehouse, Marilyn o Pulp Fiction.
Manu Muñoz (España, 1977)
Artista español que inició su carrera artística en el mundo del graffiti en 1991 y dos años más tarde decidió dedicarse por completo al arte, dejando en segundo plano el graffiti para trabajar y experimentar con nuevos soportes y materiales. Trasladó su residencia a Londres, ciudad que provoca un fuerte cambio en el artista y en su obra, la cual gira hacia la figuración.Tras la etapa londinense volvió a establecer su residencia en Cabo de Gata, Almería, dónde ahora vive y trabaja. La obra plástica de este artista destaca por la evolución de su trabajo, porque sus orígenes del street art y la figuración siguen estando presentes en las piezas que produce.
Carlos Blanco Artero (España, 1983)
Nació en Madrid y se dedica exclusivamente a la pintura desde el año 2003. Como él así lo expresa, su pintura ha tenido una evolución, transformándose de una nueva figuración a una pintura más expresiva y gestual, donde el elemento figurativo sigue estando presente, pero más difuminado. Conocer la obra de George Condo en Nueva York le cambió sus perspectivas, porque sin duda fue uno de los puntos de partida de su proyecto actual, al igual que ver los trabajos de Cy Twombly, que posee toda la fuerza y poesía con una elegancia absoluta.» Su trabajo investiga sobre la figura humana y más precisamente sobre el rostro y su distorsión. Como heredero de las vanguardias, ha combinado hábilmente la abstracción y la figuración con toques surrealistas y cubistas.
Lujan Marcos (España, 1978)
Artista multidisciplinar que vive y trabaja en Madrid. Las disciplinas que ella trabaja son: video, instalación, fotografía, collage, pintura, entre otros. Para ella, el arte es la clave del conocimiento y por medio de sus creaciones pretende suscitar reflexiones sobre temas como la identidad, las normas sociales, las fisuras existenciales que hay en lo definido, lo específico, el tiempo y su percepción, la memoria involuntaria o el fluir de la conciencia de los que hablaba Proust. Sus creaciones están compuestas por un alto componente poético, intuitivo, lírico y a veces irónico. Es más, ella define su práctica artística como sentimental y autobiográfica. Y sus piezas son un ejercicio de desdoblamiento, donde la artista mantiene un diálogo consigo misma.
Pilar Barrios (Colombia, 1979)
Nació en Bogotá, Colombia, donde estudió Artes Plásticas y Literatura y aprendió que la realidad está llena de recursos. Artista multidisciplinar, rigurosa practicante de la autogestión cultural. Reside en Madrid, en esta ciudad, ha realizado un curso de Escenografía y un máster en Escultura. Ha expuesto su obra en el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, Mad is Mad, Museo del Traje, Casa de América y en la Universidad de Los Andes, entre otros. Su proceso creativo siempre comienza con el dibujo, pero sus obras, muchas veces, acaban evolucionando hacia la instalación, la escultura o la acción participativa. Uno de los objetivos que tiene su obra es ocasionar en el espectador tensiones, generar inquietudes o provocar cuestionamientos.
María Argüelles (España, 1988)
Nace en Madrid y se licencia en Psicología por la Universidad Complutense de Madrid (2012) y en 2014 decide comenzar la carrera de Bellas Artes. Su obra cuenta con varias líneas de investigación. Le interesa estudiar las posibilidades de la pintura en la contemporaneidad y el límite que existe entre lo íntimo y lo público. Cuenta con exposiciones individuales como La vida de una AUSENCIA, la cual le permitió ganar el Premio Autor Joven en el VIII Certamen nacional de pintura Pincel Verde (Madrid, 2011). Su trayectoria artística está comenzando y por ello su pintura todavía está en proceso de desarrollo y evolución, pero deja entrever a una artista con gran potencial para desarrollarse en la tradicional disciplina de la pintura, bajo el estilo de la Nueva Figuración.
Miriam Fernández (España, 1981)
Nació en Burgos. En 2004 termina sus estudios de Ingeniería de Caminos, Canales y Puertos y en 2014 se licenció en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Durante este mismo año, participa en el Programa de Incorporación al Mercado del Arte impartido por Arte y Desarrollo a través de una beca proporcionada por la Agencia de Comunicación Internacional para las Artes RENZO. Más adelante, en 2015, disfrutó de una beca de residencia en el espacio Coworking Espacio Oculto de Madrid y durante el 2016 fue seleccionada para participar en el Programa sin Créditos. En su trabajo combina estos dos campos de conocimiento que tiene, impulsando elementos poéticos sobre conceptos científicos o interfiriendo con elementos de la vida cotidiana a través de procesos artísticos.
Cristina Flores (Perú, 1986)
Artista multidisciplinar que nació en Lima, capital de Perú y se licenció en Pintura por la Pontificia Universidad Católica del Perú (2017). Su arte se caracteriza por la experimentación continua con diferentes disciplinas como la cerámica, el grabado, la fotografía, el videoarte, el performance, el dibujo, el tejido y la pintura. Con la ayuda de estos recursos reflexiona sobre la relación del espacio que la rodea y su cuerpo, el cual lo examina continuamente a partir de las prácticas medicinales, la tradición familiar, la cultura y el feminismo con el propósito de generar la sanación simbólica.
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